Greeting the Unseen

Das Schaf­fen von Zora Ber­we­ger (*1981, in Bern, CH, lebt und ar­bei­tet in Leip­zig, DE) um­fasst Ma­le­rei, Zeich­nung, Ke­ra­mik, In­stal­la­ti­on, Skulp­tur, Fo­to­gra­fie und Licht. Ihre mul­ti­me­di­a­len Ar­bei­ten spei­sen sich aus einem Vo­ka­bu­lar geo­me­tri­scher Grund­for­men und ar­cha­isch an­mu­ten­der Ge­gen­stän­de sowie einer der Natur ent­lehn­ten Form­ge­bung. 

Mit mi­ni­ma­len Mit­teln und prä­zi­ser Ma­te­ri­a­li­sie­rung in­sze­niert Zora Ber­we­ger ihre Ar­bei­ten als räum­li­che Set­zun­gen. Sie un­ter­sucht den Ausstel­lungs­ort wie einen Bild­raum, spielt mit Mass­stäb­lich­keit, Kon­stel­la­ti­o­nen oder Ver­schie­bun­gen und setzt die un­ter­schied­li­chen Me­di­en in Be­zie­hung. Ei­gen­hei­ten von Kör­pern, Ober­flä­chen und Stoff­lich­keit ver­ei­nen sich in ihren Wer­ken mit der Wahr­neh­mung von Licht und Farbe und er­hal­ten da­durch eine ver­än­der­te Prä­senz. 

In­spi­riert von den räum­li­chen Ge­ge­ben­hei­ten der Kunst­hal­le Ap­pen­zell ori­en­tiert sich die Künst­le­rin an der Figur eines Ge­wäch­ses. Sie fo­kus­siert Funk­ti­o­nen, Po­ten­zi­a­le und Zu­ord­nun­gen von ver­schie­de­nen Be­stand­tei­len einer Pflan­ze und schafft Kom­bi­na­ti­o­nen, die stets auch auf das Un­ge­se­he­ne und Ver­bor­ge­ne ver­wei­sen. Wäh­rend im Erd­ge­schoss das Wur­zel­werk, wel­ches als Teil einer Pflan­ze in der Erde ver­an­kert ist und un­se­rem Blick gröss­ten­teils ver­bor­gen bleibt, als in­halt­li­cher und for­ma­ler Aus­gangs­punkt dient, ist es im mitt­le­ren Saal das Zen­trum eines Ge­wäch­ses, wo Nähr­stof­fe ge­bün­delt wer­den und die Kräf­te zu­sam­men­flies­sen. Im obers­ten Raum ste­hen Er­schei­nungs­for­men in­ner­halb un­se­rer At­mo­sphä­re sowie die Ver­bin­dung zum Kos­mos im Zen­trum.

Die ein­zel­nen Licht­zei­chen von Roots (2023), einer ei­gens für die Ausstel­lung ge­schaf­fe­n­en Neon­in­stal­la­ti­on, bil­den zu­sam­men eine Art leuch­ten­des Wur­zel­sys­tem. Die Ne­on­kör­per er­we­cken mehr­fa­che As­so­zia­ti­o­nen: Sie kön­nen an ty­po­gra­fi­sche Ele­men­te, Schrift­zei­chen aus ver­gan­ge­nen Kul­tu­ren, mög­li­cher­wei­se an Hi­e­ro­gly­phen, Sym­bo­le, An­ten­nen, Ast­wer­ke oder ein­fachs­te Werk­zeu­ge er­in­nern. Roots ver­weist auf Kom­mu­ni­ka­ti­ons­sys­te­me, wie zum Bei­spiel das der Pflan­zen, die über ihre Wur­zeln im Kon­takt zu­ein­an­der ste­hen, wobei nicht nur der In­for­ma­ti­ons­aus­tausch von Be­deu­tung ist, son­dern auch das Mo­ment des Lau­schens und Zu­hö­rens.

SG Mit der Ausstel­lung Gree­ting the Un­se­en schaffst du einen kon­zep­tu­el­len Bezug zu einem Pflan­zen­ge­wächs. Wie ver­bin­den sich deine Ar­beit und die Ausstel­lung mit die­sem Bild?

ZB Durch eine Freun­din bin ich vor ein paar Jah­ren auf ein di­gi­ta­les Ar­chiv alter Zeich­nun­gen von Wur­zel­sys­te­men ge­stos­sen. Ich war au­gen­blick­lich fas­zi­niert und be­rührt davon. Die Tat­sa­che, dass oft­mals der gröss­te An­teil einer Pflan­ze un­se­ren Augen ver­bor­gen bleibt, und wel­che Schön­heit sich of­fen­bart, wenn man erst­mal das ge­sam­te (phy­si­sche) Wesen einer Pflan­ze wahr­neh­men kann, wird in die­sen Zeich­nun­gen of­fen­kun­dig. Auch das Zu­sam­men­spiel die­ser Be­rei­che, zwi­schen die­sen po­la­ren Zonen – die man zum Bei­spiel als sicht­bar / ver­bor­gen, hell / dun­kel, auf­wärts / ab­wärts stre­bend, etc. be­nen­nen könn­te – wird wahr­nehm­bar.
Als ich dann die Ein­la­dung zu die­ser Ausstel­lung bekam und mir die Räume an­ge­se­hen hatte, stie­gen diese Zeich­nun­gen der Wur­zel­sys­te­me un­er­war­tet in mir hoch. Sie über­lapp­ten sich mit den Ein­drü­cken der Ar­chi­tek­tur der Kunst­hal­le, den drei über­ein­an­der­lie­gen­den Räu­men.

SG Wel­che Be­deu­tung hat für dich der Ausstel­lungs­ti­tel Gree­ting the Un­se­en?

ZB Der Titel drückt eine in­ne­re Hal­tung aus, aus der meine Ar­bei­ten ent­sprin­gen – und wohl vie­les in mei­nem Leben. Es ist die­ses In­ter­es­se, oder die Freu­de daran, hin­ter die Dinge zu bli­cken, in die Tiefe oder Weite zu rufen und mit allen mir zu­gäng­li­chen Sin­nen wahr­zu­neh­men, zu lau­schen. «Gree­ting» meint hier, sich fei­er­lich auf etwas aus­zu­rich­ten, sich dahin zu öff­nen und zu lau­schen. Denn der Gruss wird meist auch er­wi­dert. «The Un­se­en» be­zieht sich eben­so auf die fein­stoff­li­chen Be­rei­che wie auch auf die schlicht und ein­fach un­be­ach­te­ten Be­rei­che, auf das Ver­bor­ge­ne oder das, was uns phy­sisch ge­se­hen nicht zu­gäng­lich ist.

SG Ein zen­tra­les Werk, das den Be­ginn der Ausstel­lung mar­kiert, ist Roots (2023). Wie ist die Neon­in­stal­la­ti­on ent­stan­den?

ZB Der Aus­gangs­punkt war der Ausstel­lungs­raum selbst und die Vi­si­on, die­sen Raum dem Wur­zel­werk sowie den Ge­fil­den im Er­d­in­ne­ren zu wid­men. Die Idee zu der Neon­in­stal­la­ti­on ist so blitz­ar­tig auf­ge­taucht, dass ich kaum davon er­zäh­len kann. Es war ein­fach klar, so­wohl das Me­di­um als auch die Anmut der For­men. Dann be­gann der Pro­zess der Um­set­zung, wie – nebst allen tech­ni­schen Ab­klä­run­gen – das Zeich­nen, Aus­wäh­len und Ab­stim­men der ein­zel­nen Kon­tu­ren. Für mich macht das Me­di­um Licht hier viel Sinn. So trägt zum Bei­spiel die Be­we­gung des Grüs­sens (Gree­ting) auch Licht mit sich, es ist, als würde man einen Licht­strahl aus­sen­den. Dann wie­der­um, wenn ich den Ant­wor­ten lau­sche, tau­chen aus der Erde viel­fa­che Lich­ter auf, wie etwa das Mi­ne­ral­reich, wel­ches zu­rück­fun­kelt. Das Kom­mu­ni­zie­ren an sich könn­te man auch als Lichtaus­tausch be­trach­ten.

SG Licht ist ein Ma­te­ri­al, das immer wie­der in dei­ner Pra­xis auf­taucht. Wie un­ter­schei­det sich die Ar­beit mit Licht von der mit an­de­ren Ma­te­ri­a­li­en?

ZB Ei­ner­seits spie­len die tat­säch­li­chen Ma­te­ri­a­li­en eine Rolle – Glas, Kabel, Trans­for­mer. Es bringt etwas In­dus­tri­el­les, Glat­tes, Küh­les, Tech­ni­sches mit sich. Das emp­fin­de ich als wohl­tu­en­de und wich­ti­ge Er­gän­zung oder Er­wei­te­rung in­ner­halb mei­nes Wer­kes. So auch die durch das Me­di­um be­ding­te Form­ge­bung: die Kla­r­heit von Li­ni­en, deren zei­chen­haf­te Wir­kung. Auch die Tat­sa­che, dass ich die An­fer­ti­gung ex­tern in Auf­trag gebe, macht für mich einen gros­sen Un­ter­schied.
Und dann ist da das Licht an sich, die Wir­kung des Me­di­ums, wel­ches wie­der­um bei­na­he eine kon­trä­re Wir­kung zu dem eben Be­schrie­be­nen hat. Es wirkt ent­gren­zend, ist im­ma­te­ri­el­ler Natur. Es durch­schrei­tet die Gren­zen von Flä­che und Raum, Form und Form­lo­sig­keit. So ge­se­hen nimmt es in mehr­fa­cher Hin­sicht eine über­aus ver­bin­den­de Rolle ein. Gleich­zei­tig kann es auch als ent­rückt wahr­ge­nom­men wer­den. Die­ses Os­zil­lie­ren hat etwas Auf­re­gen­des an sich. Zudem finde ich Licht im Hin­blick auf Farbe span­nend, denn es macht diese für un­se­re phy­si­schen Augen auf eine Weise sicht­bar, wie man sie in­ner­lich er­le­ben kann.

SG Für deine künst­le­ri­sche Aus­ein­an­der­set­zung sind die Räume, in denen du deine Ar­bei­ten zeigst, von Be­deu­tung. Wie gehst du vor, wenn du ein neues Ausstel­lungs­pro­jekt be­ginnst?

ZB Bevor ich ein neues Ausstel­lungs­pro­jekt oder auch eine neue Ar­beit an­ge­he, lau­sche je­weils nach innen. Ich stel­le mir Fra­gen dazu und schaue, was auf­taucht. Es sind Im­pul­se, die ich wahr­neh­me und die sich von innen her­aus aus­deh­nen, mich lei­ten und schlus­s­end­lich For­men fin­den. Es ist un­ter­schied­lich, wie sich diese Im­pul­se zei­gen. Immer wie­der sind es be­reits kon­kre­te in­ne­re Bil­der, zum Bei­spiel einer Skulp­tur oder eines Ma­te­ri­a­ls, manch­mal ist es eher ein in­ne­res Wis­sen, das mich wie ein Duft durch den Ent­ste­hungs­pro­zess führt. Und manch­mal ist es so, dass etwas auf­taucht, was ich spä­ter im Pro­zess immer wie­der be­fra­gen kann; eine Art Be­glei­ter. Ich finde, es ist eine sehr ef­fi­zi­en­te und gleich­zei­tig freie Art zu ar­bei­ten. Denn ich fühle dabei sehr schnell und klar, wo der Fokus liegt, was die Es­senz ist, wo es lang­geht, ohne je­doch die ei­gent­li­che Werk­ent­ste­hung zu stark zu kon­trol­lie­ren. So gibt es trotz­dem viel Spiel­raum fürs Mä­an­dern, im di­rek­ten Aus­tausch mit Farbe, Form und Ma­te­ri­al – was mir sehr wich­tig ist.

SG Du hast ein star­kes In­ter­es­se für Ma­te­ri­a­li­en und eig­nest dir immer wie­der neue Tech­ni­ken an, um Ar­bei­ten mit Werk­stof­fen zu schaf­fen, mit denen du bis­lang nicht ge­ar­bei­tet hat­test. Wie wich­tig ist dir die Aus­ein­an­der­set­zung mit dem Ma­te­ri­el­len und der Aus­füh­rungs­tech­nik?

ZB Meist lasse ich mich von einer Ah­nung füh­ren und ver­su­che dann, das Ma­te­ri­al und Me­di­um zu fin­den, das ihr am al­ler­nächs­ten kommt. Auf diese Weise ge­ra­te ich häu­fig an für mich neue Werk­stof­fe und Um­set­zun­gen. Das ist manch­mal sehr un­an­ge­nehm, bin ich doch immer wie­der eine to­ta­le An­fän­ge­rin dabei. Gleich­zei­tig hat diese Un­be­da­rft­heit der An­fän­ge­rin eine gros­se Kraft. Da weht zu­wei­len ein Wind der Frei­heit und Ex­pe­ri­men­tier­freu­de. In die­ser Ausstel­lung trifft diese Viel­falt mei­ner Werke auf­ein­an­der und es er­gibt sich ein Zu­sam­menschwin­gen, das er­lebt wer­den kann, wor­auf ich mich be­son­ders freue.

SG Was mir an dei­nen Wer­ken auf­fällt, ist deine Ar­beit mit dem Frag­men­ta­ri­schen. Man trifft auf ein­zel­ne re­du­zier­te Ele­men­te, die prä­zi­se Set­zun­gen im Raum dar­stel­len. Was ist dein In­ter­es­se am Frag­ment?

ZB Ich denke, da gibt es ver­schie­de­ne Zu­gän­ge. Wenn man ein­zel­ne Frag­men­te her­aus­löst und ihnen genug Raum gibt, kön­nen sie plötz­lich zum Spre­chen kom­men, wie es ihnen sonst kaum mög­lich ist, be­zie­hungs­wei­se kann man ihnen so als Be­trach­ter*in erst rich­tig gut zu­hö­ren. Das in­ter­es­siert mich. Es ist eine Liebe für die ein­zel­nen Er­schei­nungs­for­men. Bei den räum­li­chen Set­zun­gen von Frag­men­ten er­le­be ich es so, dass die ein­zel­nen Dinge voll­stän­dig prä­sent sind und sich durch ihr Zu­sam­men­spiel ein fei­ner Tanz er­gibt, auch in Kom­bi­na­ti­on mit dem um­her­schwei­fen­den Blick der Be­trach­ten­den – wie ver­schie­de­ne Lich­ter, die mit­ein­an­der, nach­ein­an­der und über­lap­pend kurz auf­leuch­ten, ab­blen­den und er­neut auf­blit­zen.

SG Für die Ausstel­lung hast du zwei gros­se Re­li­efs re­a­li­siert: snake, trans­for­ming (8 tri­grams) und wales, connec­ting (8 tri­grams) (beide 2023). Sie er­in­nern mich an ge­heim­nis­vol­le Mo­ti­ve, Zei­chen und Bil­der er­lo­sche­ner Kul­tu­ren, wie die der Inka, Maya und Az­te­ken. Wäh­rend bei an­de­ren Ar­bei­ten for­ma­le Aspek­te in Re­la­ti­on zum Raum her­ausste­chen oder sich Er­schei­nungs­for­men der uns um­ge­ben­den Welt auf den Ober­flä­chen ma­ni­fes­tie­ren, wird hier eine Sym­bo­lik er­kenn­bar. Wie gehst du in dei­ner Ar­beit mit Zei­chen­sys­te­men um?

ZB Wahr­schein­lich habe ich dazu einen eher un­kon­ven­ti­o­nel­len Zu­gang. Für mich un­ter­schei­den sich Sym­bo­le und Zei­chen gar nicht so sehr von an­de­ren Er­schei­nungs­for­men. Was mich in­ter­es­siert, ist das Wesen be­zie­hungs­wei­se die zu­grun­de­lie­gen­de Kraft wahr­zu­neh­men. Ich ver­ste­he Zei­chen und Sym­bo­le als einen un­mit­tel­ba­ren Aus­druck einer be­stimm­ten In­for­ma­ti­on, die man «lesen» kann – be­wusst oder un­ter­be­wusst. Na­tür­lich gibt es in Bezug auf die Wir­kungs­kraft Un­ter­schie­de; nicht alle Zei­chen sind gleich deut­lich oder ge­bün­delt. Man­che trans­por­tie­ren kul­tu­rel­le Prä­gun­gen, und wie etwas emp­fan­gen wird, bil­det auch eine wich­ti­ge Kom­po­nen­te. Doch Sym­bo­le trans­por­tie­ren etwas All­ge­mein­gül­ti­ges und gren­zen sich von in­di­vi­du­a­li­sier­ten Er­schei­nungs­for­men ab. Dies schät­ze ich in mei­nem Schaf­fen in­so­fern, als dass sie die Ver­bin­dung allen Le­bens be­to­nen.

SG Da­ne­ben sehen wir eine neue Plas­tik, die aus­schaut wie ein Hügel. Wel­cher Schaf­fens- und Pro­duk­ti­ons­pro­zess geht dem Werk vor­aus?

ZB Brea­thing, ca­ta­ly­sing (2023) ist eine Ar­beit, die the­ma­tisch dem Zen­trum ge­wid­met ist. Im Bild der Pflan­ze ist es die Knol­le oder der Über­g­ang zum Stamm, bei uns Men­schen könn­te man vom Bauch­raum oder auch vom Her­zen spre­chen. Es ist der Ort der Bün­de­lung, da wo alles zu­sam­men­fliesst, wo Him­mel und Erde auf­ein­an­der­tref­fen, Po­la­ri­tä­ten in­ter­a­gie­ren und wo die Al­che­mie, die Trans­for­ma­ti­on ge­schieht. Für mich war klar, dass ich in die­sem mitt­le­ren Raum etwas di­rekt in die Mitte set­zen möch­te. Etwas, das so­wohl das Zen­trum als auch den In­nen­raum, das In­ne­re, die­sen Pool der Gä­rung be­tont. Das war der Grun­dim­puls zu die­ser Ar­beit.

SG Wel­che Rolle spielt die Natur in dei­ner künst­le­ri­schen Ar­beit?

ZB Das zeigt sich in un­ter­schied-li­chen Aspek­ten. Zum einen nutze ich die Natur, um mich selbst zu näh­ren und auf­zu­tan­ken. Dann gibt es für mich die Emp­fin­dung, dass sich meine Werke nicht aus­sch­liess­lich an die Men­schen rich­ten, son­dern dass sie durch­aus auch mit der Erde, den Mi­ne­ra­li­en, dem Tier- und Pflan­zen­reich in Ver­bin­dung tre­ten und kom­mu­ni­zie­ren. So ge­se­hen fühle ich mich auch durch das Kunst­ma­chen und im Schaf­fen­s­pro­zess­sehr mit der Natur ver­bun­den. In der Natur ver­spü­re ich etwas Ur­sprüng­li­ches, etwas das nichts sein will, son­dern ein­fach ist. Dies übt eine gros­se An­zie­hung auf mich aus. Am liebs­ten ist mir der Ge­dan­ke – auch wenn wir an­ders kon­di­tio­niert sind –, dass wir Men­schen Teil der Natur sind.

SG Du schaffst in dei­ner Ar­beit Ob­jek­te, die auf ver­trau­te Dinge aus der uns um­ge­ben­den Welt ver­wei­sen und den­noch in ihrer zei­chen­haf­ten Re­duk­ti­on di­stan­ziert oder ent­rückt blei­ben. Ich denke zum Bei­spiel an water bo­dies (2021). Wel­che Kri­te­ri­en sind für deine Ent­schei­dung, wel­che Ele­men­te du mit­ein­an­der in Be­zie­hung setzt, von Be­deu­tung?

ZB Etwas, das mich fas­zi­niert, ist die Geo­me­trie, die allen Er­schei­nungs­for­men zu­grun­de liegt. Diese ganz es­sen­zi­el­len For­men, wie die ge­ra­de Linie, der Bogen, die Kugel, das Drei­eck, der rech­te Win­kel usw., strah­len für mich eine ur­tüm­li­che Kraft aus, die mich an den Ur­sprung und auch Zu­sam­men­halt allen Le­bens er­in­nert. Gleich­zei­tig gibt es diese un­glaub­li­che Viel­falt an Er­schei­nungs­for­men und jede ein­zel­ne ist höchst spe­zi­fisch. Ein Esel hat zum Bei­spiel eine an­de­re Ausstrah­lung und Wirk­kraft als eine Schne­cke. Ich habe mir das bis­her noch nie so genau über­legt, aber ich nehme an, dass ich häu­fig die Dinge aus der um­ge­ben­den Welt in meine Werke hole, die beide die­ser ge­nann­ten Aspek­te zum Aus­druck brin­gen.

SG Die Bil­der der Serie Cat’s Tra­ces (2022) täu­schen bei­na­he über ihr Ab­bild hin­weg und wir­ken wie re­el­le Raum­in­stal­la­ti­o­nen. Was in­ter­es­siert dich daran, räum­li­che Set­zun­gen fo­to­gra­fisch zu prä­sen­tie­ren?

ZB Im bes­ten Fall be­trach­te ich meine Ar­bei­ten, ins­be­son­de­re die In­stal­la­ti­o­nen, aus einem Raum der Stil­le her­aus. Die Stil­le er­mög­licht es mir, offen, frei, leer zu sein und mich mit den Din­gen ver­bin­den zu kön­nen. Oft­mals sind je­doch die räum­li­chen, ört­li­chen Be­din­gun­gen dafür nicht op­ti­mal – ge­schwei­ge denn die ei­ge­nen in­ne­ren Ge­ge­ben­hei­ten. Zudem habe ich auch fest­ge­stellt, dass es für man­che Men­schen noch schwie­ri­ger wird, still zu wer­den, so­bald sich der ei­ge­ne Kör­per und damit die Be­we­gung in Bezug zum Kunst­werk setzt. So wurde mein In­ter­es­se an der in­sze­nier­ten Fo­to­gra­fie ge­weckt. Ich war neu­gie­rig, was die Fo­to­gra­fie in Bezug auf die Stil­le kann. Denn die Fo­to­gra­fie hat die Ei­gen­schaft, den Raum in sich selbst zu tra­gen, quasi starr oder de­fi­niert. Auch der Blick des oder der Be­trach­ten­den ist darin be­reits vor­ge­ge­ben. Das sind also spe­zi­fi­sche Vor­aus­set­zun­gen, die das Me­di­um Fo­to­gra­fie mit sich bringt und die es er­mög­li­chen, einen Blick in den Raum zu wer­fen. Mög­li­cher­wei­se wer­den die Be­trach­ter*in­nen von die­sem stil­len Raum an­ge­zo­gen, in ihn hin­ein­ge­zo­gen – oder aber die Stil­le dehnt sich bis in den phy­si­schen Raum aus.

SG Wie du sagst, ist eine Ausstel­lungs­be­ge­hung nicht nur durch Ma­te­rie und Raum be­stimmt, son­dern auch durch den ei­ge­nen Kör­per, der sich in Be­zie­hung zu den Ele­men­ten setzt. Wie wich­tig ist für dich der mensch­li­che Kör­per?

ZB Der mensch­li­che Kör­per ist mir in vie­ler­lei Hin­sicht wich­tig. Zum einen kann man ihn als feste Ma­te­rie ver­ste­hen, ge­nau­so wie ein Ge­mäl­de, eine Skulp­tur, eine Pflan­ze, den Pla­ne­ten Erde, wie all die grob­stoff­li­chen Er­schei­nungs­for­men. Er ist ge­nau­so ma­ni­fest in Form, Farbe, Be­schaf­fen­heit. Ich finde es span­nend, mit und durch den Kör­per wahr­zu­neh­men, was ein Kunst­werk be­wirkt. Ins­be­son­de­re bei mei­nen In­stal­la­ti­o­nen emp­fin­de ich den Bezug zum Kör­per als ele­men­tar und ein­fach zu­gäng­lich. Der Kör­per wird di­rekt an­ge­spro­chen, nicht un­be­dingt als Mit­spie­ler, aber als einer, der ein­ge­la­den ist, das Spiel und des­sen Aus­wir­kun­gen haut­nah mit­zu­ver­fol­gen.

SG Du hast ur­sprüng­lich Ma­le­rei­en ge­schaf­fen, ar­bei­test je­doch in der Zwi­schen­zeit in ver­schie­de­nen Me­di­en. Wel­che Rolle spielt die Ma­le­rei noch in dei­ner Ar­beit?

ZB Wenn ich das wüss­te! Nun, ich ver­mu­te, dass ich zu­künf­tig wie­der ver­mehrt auch zur Ma­le­rei fin­den werde. In den letz­ten Jah­ren war es so, dass ich mich darin we­ni­ger frei ge­fühlt habe als in den drei­di­men­si­o­na­len Me­di­en – das lag am Ent­ste­hungs­pro­zess. Den­noch habe ich mich immer wie­der mal an meh­re­re klei­ne Lein­wän­de ge­setzt und eine davon ist nun die­ses Jahr fer­tig ge­wor­den. Ein wich­ti­ger Zu­gang zur Ma­le­rei ist für mich auf jeden Fall die Farbe, und die­ser Zu­gang ver­liert sich zum Glück nicht. Es ist auch in­ter­es­sant, wie sich das Frag­men­ta­ri­sche eben­so in mei­nen Ma­le­rei­en wie­der­fin­det, es dort aber ir­gend­wie an­ders zu wir­ken/funk­tio­nie­ren scheint. Mir kommt es vor, als bil­de­ten dort die ein­zel­nen Frag­men­te eine Art räum­li­ches Feld.

SG Wäh­rend der Ausstel­lungs­dau­er wirst du drei­mal – in jedem Stock­werk ein­mal – eine ge­führ­te Me­di­ta­ti­on an­bie­ten. Was er­war­tet die Be­su­cher*in­nen?

ZB Ich möch­te die Ausstel­lung, das Zu­sam­men­spiel der Werke in die­sen Räum­lich­kei­ten sowie die The­ma­tik der ein­zel­nen Stock­wer­ke – im Grun­de ge­nom­men die ge­sam­te At­mo­sphä­re, die sich durch diese Ausstel­lung er­gibt – nut­zen, um die Be­su­cher*in­nen auf in­ne­re Rei­sen in mehr­heit­lich un­ge­se­he­ne und für un­se­re phy­si­schen Kör­per schwer zu­gäng­li­che Ge­fil­de ein­zu­la­den.

Die Ber­ner Künst­le­rin mit Ap­pen­zel­ler Wur­zeln Zora Ber­we­ger (*1981 in Bern ge­bo­ren und auf­ge­wach­sen, lebt und ar­bei­tet in Leip­zig, DE) ab­sol­vier­te eine Aus­bil­dung zur The­a­ter­ma­le­rin und be­gann da­nach ein Stu­di­um für Tex­til­de­sign an der Hoch­schu­le für Ge­stal­tung und Kunst in Lu­zern, bevor sie 2006 nach Leip­zig zog, um als frei­schaf­fen­de Künst­le­rin zu ar­bei­ten.

Ber­we­ger hatte zahl­rei­che Ein­zel- oder Dop­pelausstel­lun­gen in Eu­r­o­pa. 2022 wurde die Künst­le­rin mit dem «Neu­start Kul­tur»-Sti­pen­di­um der Stif­tung Kunst­fonds; 2021 mit einem Ar­beitss­ti­pen­di­um der Stadt Leip­zig und 2020 sowie 2013 mit einem Werk­bei­trag der Aus­serr­ho­di­schen Kul­tur­stif­tung aus­ge­zeich­net.

Wech­­­seln Sie das Ge­­­bäu­­­de, um die zwei­te Ausstel­­­lung zu sehen:

Liz Craft
BET­WEEN YOU AND ME

KU­RA­TO­RIN
Ste­fa­nie Gschwend

TEAM
Anna Beck-Wör­ner, Re­gi­na Brü­li­sau­er, Ste­fa­nie Gschwend, Chris­ti­an Hör­ler, Chris­ti­an Meier, Clau­dia Reeb,
Ma­dlei­na Ru­tis­hau­ser

AUSSTEL­LUNGS­UM­BAU
Chris­ti­an Hör­ler, Chris­ti­an Meier mit Ueli Alder, Ro­swi­tha Gobbo, Do­mi­nik Hull, Ca­ri­na Kirsch, Ni­klaus Ul­mann

BE­SU­CHER*IN­NEN­BE­TREU­UNG
MU­SE­UM AT­TEN­DANTS Ra­pha­e­la Böhi, Do­mi­ni­que Fran­ke, Mar­grit Gmün­der, Ro­swi­tha Gobbo, Mar­grit Küng, Ba­r­ba­ra Metz­ger, Cris­ti­na Mosti, Ma­dlei­na Ru­tis­hau­ser, Me­la­nie Scher­rer

TEXT
Ste­fa­nie Gschwend

LEK­TO­RAT
Mi­cha­e­la Alex-Ei­ben­stei­ner

ÜBER­SET­ZUNG
Katja Na­u­mann

COUR­TE­SY
Cour­te­sy the ar­tist
Fotos: Zora Ber­we­ger

GRA­FIK
Data-Orbit / Mi­chel Egger, St.Gal­len

DANK
Zora Ber­we­ger, Liz Craft, Paul-Aymar Morgue d’Algue, Paul Ber­nard, Laura Weber, Team Kunst­haus Pas­quart / Cen­tre dʼé­di­ti­on con­tem­po­rai­ne, Genf, Fonds can­to­nal dʼart con­tem­po­rain, Genf, Ga­le­rie Loe­ven­bruck, Paris, MAMCO, Genf, Swana Mourgue dʼAlgue, Neue alte Brü­cke, Frank­furt, Sé­bas­ti­en Pey­ret, FR, Anne Shel­ton Aaron und Leih­ge­ber*in­nen, die nicht na­ment­lich ge­nannt wer­den möch­ten

ZORA BER­WE­GER – GREE­TING THE UN­SE­EN WURDE FREUND­LICH UN­TER­STÜTZT VON
Stif­tung Erna und Curt Bur­gau­er